解決されぬ「1音」背負う音楽家 朝日新聞2025年10月19日朝刊を読んで。

 この朝日新聞の「日曜に想う」という文章の中に、バーンスタイン作曲のウエストサイドストーリーの曲について書いてある。この曲の最後の部分は、本文をほぼ引用すると、『恋人のトニーが殺された後、ヒロインのマリアは「あなたたちみんなが彼を殺した。」と泣き崩れ、やがて毅然と歩み出す。その後、両グループが静かに従う。澄み切ったドミソの響が葬送の列を包む。そのときバーンスタインは低音域にファ＃の音を響かせる。この1音は異なる価値観の持ち主を対話へと導く難しさの象徴でありながら、平和への道のりを、聴く人それぞれに深く思考させる。』

私の小学校の時に何人かの友達と日比谷の映画館で映画館の周りを1周以上回って並んでやっと入ったことをよく覚えている。映画を感激してみたものだ。みんなは学校で足を上げたり、鉄棒で宙返りなどをして、その気になっていた。それ以来バーンスタインが好きになった。

写真：写真集　BERNSTEINREMEMBERD　日本語版　解説　ドナルド・ヘナン　ｐ.74　ウエストシドストーリーの1場面、ジェット団の少年たちの誇らしげな踊り

 この朝日新聞の文章の前段は、ベルギーの音楽祭で、イスラエル人の指揮者が率いるドイツの楽団をボイコットしているとあり、イスラエルのガザへの攻撃が激しくなっていることが影響しているようだとある。作曲者のバーンスタインがイスラエル系のアメリカ人であり、メータ、バレンボイムといった名匠たちが「イスラエルのオーケストラ」という国家的属性を越え、平和を希求する精神の象徴とするべく指導に情熱を傾けてきた。しかもバーンスタインのお父さんはウクライナ生まれのユダヤ人だそうで、根っから大変そうな生まれだ。

最近は、ロシアーウクライナ、イスラエルーガザ、ミャンマーのロヒンギャ難民や、タイーカンボジアの紛争があり、私は、特にロシアの作曲家や演奏者などに一瞬ためらいが生じる。しかしチャイコフスキー、ムソルグスキー、スタラヴィンスキー、ラフマニノフ、ショスタコーヴィチ　はみんなロシア生まれ、だからといってどうしたらよいのか。そんなためらいを捨てて、馬鹿な考えを直して聴くことにしている。

ただ身近な日本と韓国や日本と中国との間でもし戦争があったら、どうするか！音楽には戦争を遂行したいという音楽もあるし、平和を希求するという音楽もあるので、やはり見極める必要がありそうだ。「この1音」を判断する意思が必要だ。その場合には平和を希求する音楽を聴こう。

 

杉山哲雄ピアノリサイタル ベート-ベン ソナタ連続演奏会 シリーズⅠソナタからフーガへ（全3回）

日時；2025年10月2日（木）午後6時30分から

場所：銀座王子ホール　座席数約300席、シューボックスタイプ

曲目：ソナタ第一番、ソナタ第4番、ソナタ第7番、ソナタ第14番「月光」　アンコール曲

演奏は杉山哲雄。主催：杉山ムジーク・アカデミー

このコンサートは建築家の濱口オサミさんに紹介された。以前渋谷で、杉山さんのピアノの練習スタジオの設計に音響設計の立場からかかわったことがある。設計は（有）濱口建築・デザイン工房、建物は渋谷にある大きな集合住宅の一階で、この住戸部分は、台所とトイレを残し、あとは1室を浮構造にして、遮音対策をした。この浮構造は、床は木造のヘルムホルツ床を用いている。

杉山さんのプロフィールを見るとわかるが、伊勢市出身で、濱口さんと同郷となる。濱口さんは私と東工大の同期なので、多分杉山さんも似たような年だと思われるが、ものすごく元気だ。プログラムのチラシの後ろ側には2026年、2027年の予定まで書かれている・

しかも演奏は楽譜を見ないで力強く演奏している。杉山さんのプロフィールには、バッハ、モーツァルト、ベートーベンのリサイタルで、古典調律を用いたとある。この古典調律は何を意味しているか正確には解らないが、純正律を中心とした音律のことではないかと思う。モーツアルト、ベートーベンの時代はこの純正律を用いることによってきれいなハーモニーができるようになった。ただ現在は平均律という音律になり、正確には純正率より美しい響きではない。チラシには「ベート-ベン没後200年（2027年）に完結するベート-ベン全ソナタの連続演奏会は、ベート-ベンの創作の本質に光をあてるものである。」　と書いてある。気合が入っている。しかもいずれの曲も力に入った演奏だった。この曲の最後の曲はソナタ第14番“月光”で、月の光が水面に反射してキラキラしている印象があるが、この曲は作曲した当時から人気のあった曲だとある。このような主観的に表現が出来る曲はいいが、コンサートのチラシは、ピアノの演奏の技術的な説明が多く、例えばソナタ第一番では、「全曲を統一する6度の音程や下向音型を含んで、上昇する音の波の引き締まった音楽の表情を見せ、冒頭の動機の反行形よる第二の主題による第二主題も無駄がない。」　とあってなかなか曲の技巧的な説明は分かるが、曲の雰囲気は私には伝わってこない。第4楽章プレスティッショモの説明で、「第一主題の和音は、「闘争」を感じさせ、独創性がある。和声の微妙な変化が美しい経過部をへて、穏やかな第二主題がなだらかな地平線を思わせる。」　やはりベートーベンの曲は言葉で表すことが難しいことがわかる。ただ感情的な動きによって、強い意志を感じさせる美しい曲だった。やはりベートーベン創作の本質に迫るには、最期の2027年6月まで聞く必要がありそうである。

2025.10.20　追加：

ブログに　建築技術2018年12月号に「渋谷スタジオの音響設計」という記事を書きました。実はこの文書の中に、へrムホルツ床のことを書いていて、URとの共同の特許工法と書いてあるが、実は特許になっているのは、床下開口に唾を設けたものだけで、現在はこの工法は使っていません。誰でもがこの工法を用いることができます。

http://yab-onkyo.blogspot.com/2018/11/201812.html

さらに次のブログも書いています。杉山スタジオの内容が見れます。

杉山スタジオ　オープン

http://yab-onkyo.blogspot.com/2018/07/blog-post.html

 

 

Afternoon Jazz Live 明るい表通りで 後藤裕二カルテットwithマリア・エヴァ

日時：2025年9月28日（日）14：00開演

場所：ブッシュホール　1Fリハーサル室　大きさは正確には分からないが、15ｍ×10ｍ程度で、天井高さは2.5～2.6ｍ程度、収容人数は約100名、舞台は長手の面にある。客席と舞台は段がなく一体感がある。床は浮床コンクリートの上に直貼りフローリングのような気がする。

出演： 後藤裕二：Tenner Sax & Flute,　須藤俊也：Piano,ジャンボ小野：Piano、八城邦義：Drum,　マリア・エヴァ：歌、幕間の後、次回出演予定のトロンボーン奏者薗田勉慶が挨拶

曲目：曲目はほぼプログラム通りで、アンコールは1曲に更にアンコールの声にこたえて、ちょっと悩んで更に一曲。

テナーサックスの後藤裕二は、チラシによれば1955年生まれとある。今年で70歳ぐらいになる。出演者はおおよそ70歳前後の人だ。ベースの人はジャンボ小野と紹介されていたが、最近30kgほど痩せて、（ジャンボでなくなり、）背広がぶかぶかと紹介されていた。

コンサートはちょうど秋になったころと思ってこの曲を選んだ。Tis　Autumn、ところが今年は大変暑かったのでサマータイムを加えたと。そのあとマリア・ヱヴァが加わり、みなさん眠くないですか、もう2時ですよと。夜と昼を間違えているようにしてしゃべった。本当は昼の2時。マリア・ヱヴァの声は力強い歌声で、とんでもない迫力だった。しかも観客席の中央まで歩いてきて、歌うので、拍手を求める人も出てきた。実は私の横まで歩いてきて歌うので、本当のことを言えば私も握手をしたかった。共感した。

　　　　　　　　写真：公演の始まる前のリハーサル室、私の席から撮影

このリハーサル室の入り口の反対側は、楽屋として使っている部屋や音楽練習室がいくつかあり、トイレもある。音楽練習室は、除き窓があり、浮構造ともなっている。この上の2階は先日行った劇場となっている。多分同時進行が可能と思われる。

ジル・アパップ 珠玉のヴァイオリンリサイタル with フレンド 音楽を楽しむこと

日時：2025年9月21日（日）４：00公演

場所：横浜市磯子区民文化センター　杉田劇場　300席、可動音響反射板設置状態、席は自由席だったので、前半は上手桟敷席、後半は最前列に座ってみた。ここの劇場は響きが豊かで、半分より後ろの席の方が響きがよいと考えてのことだろうか、そこで前の席は空いていて、席を替わることが出来た。この劇場は20年以上前に私が音響設計の観点から設計に関与していた。可動音響反射板を備えていて、可動音響反射板設置状態では、できる限りクラシック音楽に好ましい状態になるように残響をできるだけ伸ばし、幕設備にしたときには、客席はそのままで、幕設備の吸音によって、芝居にとって好ましい状態にしたつもりであった。今回のジル・アパップの公演では、音響反射板設置状態だったので、響きを多く感じることが出来た。特に高い音の多いヴァイオリンは、いい響きだ。またギターは音が小さいので、最前列でもいい音が聞こえることを確認した。これがある芝居になった時には、舞台に天井も含む、大きな部屋を舞台装置としたため、コンサートの時の様に残響が長くなってしまい、声が明瞭に聴こえないときがあった。この劇場の名前が杉田劇場という名で、劇場を主に設計しているような印象があるが、本当はコンサートに対してできるだけ残響を長くした設計をしている劇場だ。その時には演劇団体にこのいきさつについてメールをしたことを覚えている。舞台を囲うような舞台装置はできれば板材でなく、音が吸音できる布のようなものでつくれればいいのだがと、話した。

出演者：ジル・アパップ（ヴァイオリン）、高木洋子（ピアノ）、カンパニ―ジャ（ギターアンサンブル）、柴田杏里（ギター）

プログラム：曲目はプログラムに示してあるが、実際にはその前後に追加の公演があった。

ジル・アパップの演奏スタイルとギターやピアノの演奏スタイルは大きく違い、ジル・アパップは歩き回りながら演奏し、一緒に演奏している人に対して身近な感じで挨拶しながら演奏する。楽譜も一切見ない。しかも見るからに楽しそうに演奏する。ギターのアンサンブルの人たちやピアニストの高木さんにもあいさつしながら演奏する。ギターの柴田さんの時には、二人とも椅子に座って演奏していたが、ジル・アパップは体を動かしながらの自由な演奏であった。

※高木さんのメールによれば、柴田さんは「柴田杏里さんとジルさんはあの日が初合わせながら、ジルさんともアイコンタクトもかなり取りながら、とても楽しかった。」とのこと。

　

コンサートのタイトルに、「ジル・アパップ　その笑顔は偏西風にのってやってきた。」とあるが、確かにこれが音楽だと言わんばかりの雰囲気だった。スペインでフラメンコを踊るときのギター演奏も楽し気なリズムを大事にした雰囲気のように思う。次回はフラメンコダンスを伴ったギター演奏が聞きたい。その時にはジル・アパップもヴァイオリンで参加できれば素晴らしい。実は弊社に10年近く前に、スペインから来たアントニオ・サンチェス・パレホという音響技術者がいた。彼は時々フラメンコの公演を新宿や日暮里で見ていたようだ。私も双方に行ったことがある。ある時両親が来て、日暮里のフラメンコの公演を見に行った。そうしたら初めてなのに、お母さん、カルメンさんという名前だったが、フラメンコの踊りに参加し始めた。何ということは無い、まったく溶け込んでしまった。楽しむと言うことはこのことだと実感した。ちなみにお母さんの仕事は医療の看護師で、フラメンコを仕事としていない。

表：プログラム

写真：上手桟敷席から見た公演が始まる前の舞台の様子。

写真：公演が始まる前の劇場側面、壁は屏風折れで、さらに丸柱を設けて、細かな高い周波数の反射音をもたらすように考えている。天井の勾配は、舞台から天井に反射した音が、後部の客席まで届くように設計している。したがってシーリングスポット室は一般の劇場より少し後ろに位置している。

写真：公演が終わった後の舞台の様子、一番後ろの席から撮影。舞台では一部幕が引かれていて、この状態で多分調律している。YAMAHAのピアノだった。

横浜船劇場の係留場所、山下埠頭再開発は公園として開発し、その一部に繰り込めないか！

 横浜は飛鳥田市長の時に田村昭さんという都市計画家が横浜市役所にいて、1965年横浜の6大事業という計画を発表し、都市計画を担っていたようだ。これによってかつて三菱重工横浜造船所だったところが、金沢区に移転し、みなとみらい地区に大きく変化していった。私もかつて桜木町駅から三菱重工横浜造船所へ、焼却場の防音対策のために打ち合わせに通ったものだ。これも懐かしい景色だった。しかしこの移転後は、みなとみらい地区という業務地区として大きく変わり、かつてその東端にあった廃墟だったレンガ倉庫は人々が楽しむレストラン、劇場、店舗などの場に大きく変化した。横浜公園から日本大通りを経て象の鼻公園に至る道、さらにレンガ倉庫を含むみなとみらい公園など大変美しくなり、いつも散歩をして楽しんでいる。この象の鼻公園から山下公園にいたった先に、今注目されている山下埠頭再開発の計画がある。ここを林市長の時にカジノにしようという計画があり、市民運動によりカジノ計画は中止になった。しかも林市長は、田村さん等がたてた計画を停止してしまっただけでなく、カジノを計画していた組織はそのままで、山中市長にかわっても、再開発の計画を行っていたその組織はそのままに残され、表には何をしたいかの具体的な提案はなされていない。関内駅から日本大通りに向かう途中に旧横浜市庁舎あったが、林市長の時にほぼ壊され、超高層ビルに立て直された。この脇を通る時にいつもビル風に悩まされる。関内駅から横浜球場、横浜公園に向かうときに、この超高層建物の数階は、外壁の多くが窓でなく壁にしているようだ。現在も建設中であるが、横浜公園周辺の界隈という雰囲気はなくなってしまって、排他的な雰囲気だ。またこのような超高層ビルが山下埠頭の再開発後に建ちならんだとしたら、現在あるみなとみらい業務地区と同じような単なる業務地区となってしまう。建設費は大変大きくなるが、できた地域は一般の人々には多分さみしいものだ。現在のみなとみらい地区もランドマークタワービルからみなとみらいホールまでの場所は、多くの人でにぎわっているが、その先の建物にはなかなかいく理由が見当たらない。山下埠頭を単に公園にしようというのであれば、既に公表されている気がするが、今の計画がいまだに公表されていないところを見ると、単に建設費が儲かるだけの業務地区にしたいのではないかと思ってしまう。

横浜レンガ倉庫から象の鼻公園、大桟橋、山下公園、氷川丸、その延長で山下埠頭公園が出来たら、この地域はかなり楽しい場所になるはずだ。更にその一角に横浜船劇場が係留できたら、劇場に行きやすい場所になる。現在、山下埠頭は市の所有である。市民のものにすべきである。

横浜船劇場は、横浜ボートシアターが所有している劇場で、鋼鉄製の艀だった船を、劇場に改修して使っているものだ。現在は自由に船に近づけない場所に係留されているが、当然、公共的な場所に係留して、誰でもが演劇を見れる状態が好ましい。現在山下埠頭再開発の計画が進められているが、公園として開発し、その一部に劇場として係留できることが望ましいように思う。事務所などの事業用の地区として再開発されるのではなく、メインは公園として開発し、一般の人もその場所に立ち入ることができ、その中に船劇場があることが望ましい気がする。それが出来たら横浜市にある自慢の現代の芝居小屋（芝居舟）が実現する。

写真：象の鼻公園から見た大桟橋、たまたまここに飛鳥Ⅱ、およびダイヤモンドプリンセスが係留していた(2025.09.20(土)）。

写真：山下公園から足元の山下埠頭およびベイブリッジを眺める。さらに右手には氷川丸が係留されている。氷川丸は誰でもが中を見学できる状態になっている。もし山下埠頭に超高層ビルが立ち並ぶと、この場所からはベイブリッジはほぼ半分見えなくなる(2025.09.20(土)）。

童話 オリオンの三人娘 の読後の感想

  著者は作：渋屋せつこ、絵：ノガワアイ、出版社：幻冬舎。作者の本名は渋谷セツコ、今までは建築家（一級建築士）として仕事をしていた。私は50年ほど前から知っている人だ。その人が童話を書いた。「オリオンの3人娘」という本だ。多分子供夫婦が宮古島に住んでいて、その夫婦が3人の女の子を授かった。ここまでは私の予想。ただ三人の女の子はオリオン座の腰のところにある三つの星の申し子という感じで書かれている。最近ここ横浜ではオリオン座をはじめとして、夜が明るくて、星座はよく見えていないが、多分宮古島では星座はよく見えるのだろう。浜辺で星を見ながら居るだけでなんだかロマンチックな気がしてくる。多分この最初から物語が始まっている。下図は宮古島とその隣の伊良部島、本の最初に、沖縄に次いで大きな島で、三角定規みたいな形をしているとあるので、多分宮古島だと思う。主人公たちはこの島でパッションフルーツを栽培している。登場人物は、この夫婦と小さな娘三人と、ヤモリ、ケンムンという妖怪で、ケケケケと笑う。歯のないハブ、失神する子供のカラス、笛吹き鳥（母親は胸に土笛をぶらさげている、ピョルルーと鳴く）、飛びイカ、子供たちはこれらの動物と親しい。大きな台風が来て、両親に大変な出来事？？が起きる。そのため、子供たちが仲良くしていたこれらの動物たちが助けてくれる。子供たちの親を思う気持ちや親が子供たちを思う気持ちがひしひしと伝わってくる。一気に読んでしまった。さすが建築家だけあって、空間的に広がりのある展開となっている。さらに童話は星たちや動物たちとこうありたいと思う世界を容易に創作できると言う長所がある。今後に期待できるところだ。

　9/24追記：大昔話をしていた時に、何の話からかどんな曲が好きかと聞いたら、マーラーが好きといわれた。当時、あまり知られていない作曲家だった。今から考えると、モーツアルトやベートーベンは意志を表現しているような気がするが、マーラーは感覚や感情を表現している。この感覚や感情を表現することについて、渋屋さんは様々な面で、継続していると改めて思う。

10/1追記：マーラーが好きという話は奥が深かった。フィンランドに仙台ヘルシンキ都市セミナー’99というのがあり、建築と子供たちというテーマでこの会議に参加することになり、さらにこのヘルシンキで、フィンランディアホールに行って、マーラーの交響曲第二番復活を聴いて、感動したとのこと。そのことを私に話をしたと思ったようですが、それより20年以上前にもマーラーが好きだと言ったので、奥が深いと感じたことです。

渋谷さんのメールには、その前の年に市の職員が持ってきた石の写真が貼付されていて、写真の上部はフィンランディアホールの外壁を改修した時の大理石で、下部はヘルシンキ周辺にある花崗岩バルモラルレッドで、有名なテンペリ・アウッキオ教会もこの岩を水盤状にくり抜いてそれに木造の構造屋根を掛けた教会です。

                                            地図：この三角形の島が宮古島、左側の島は伊良部島

※実は渋屋さんから、舞台になった島は奄美大島とのこと。たしかに南西諸島で、沖縄に次いで二番目に大きな島だ。以下の地図で奄美大島を示した。たしかに三角形の形をしている。

歌 木村聡と2人のディーヴァ コンサート

 日時：2025.9.7（日）　14：00開演

場所：横濱ノアスコンサートサロン、観客数は50名程度。

出演：木村聡（バリトン）、ディーヴァとは歌姫のことで、末広貴美子（メゾソプラノ）、

中島壽美枝（ソプラノ）、ピアノ伴奏：神保道子

曲は、添付のプログラムに示してある。オペラのアリアだけでなく、ミュージカルの曲もある。3大ミュージカルは、ここにあるレ・ミゼラブル、キャッツ以外に屋根の上のヴァイオリン弾き、またはオペラ座の怪人、木村さんはなんて言っていたか。

ホールは、舞台側のスパンは約６ｍ×6ｍで、観客席側は、幅が約5ｍで奥行きも約5ｍで、その背後にはビロードのカーテンがあり、その中は楽屋となっているようだ。ビロードのカーテンは、舞台を見て右側の壁一面と、後壁の楽屋との境にある。多分これは平行壁によりフラッターエコー防止のためと、歌手に対する適度の吸音のためと思う。

トイレは観客席の脇の、舞台を見て左側の舞台に近いところに、男女別々にひとつずつあり、コンサート時には。そのゾーンは引き戸（板戸）で閉まるようになっている。舞台と観客席に間は平土間になっている。一般的には舞台は観客席より1ｍ近く上がっていて、視覚的に見やすいように配慮していることが多いが、これによって舞台と観客の間に距離が出来てしまうように感じる。舞台と観客席が同一フロアだと、歌手が観客の間を行き来することができ、舞台と観客の一体化の可能性があるかたちだ。

空間が狭いこともあり、残響も調整されていて、カヴァレリア・ルスティカーナなど歌は迫力を持って聞こえたが、平土間のために、私の席は7列後ろで、歌手はよく見えなかった。ただ木村さんが、後半のはじめに、後ろの楽屋から出て、カルメンの「闘牛士の歌」を唄いながら、観客に握手をしつつ舞台中央へ歩いて行ったときには、観客はオペラ「カルメン」の世界に入った気がして、これが観客席と一体化になれるヒントになった気がした。部屋は長方形なので、現在の位置から、舞台右手のビロードのカーテン側に配置し、観客席もそれに対して長手方向に舞台を取り囲むような配置にしたら、観客の列はもう少しになり、舞台に観客がそれぞれ近くになるような気がした。

天井高は2.5～2.6ｍで、エアコンが天井から突き出している。コンサートの時にはその騒音に対してはどんな対処をしているのだろうか。多分コンサートの時には、エアコンは弱か停止しているのかもしれない。また同時に換気はどうしているのだろうか。歌の間には歌手はマイクをもって話しているが、スピーカがどこにあるのかよくわからず、しかもその音声はよく聞きとれなかった。玄関扉は二重の扉で、コンサートの前はガラスの框戸を1重で用いていたが、コンサートの時には、さらに内側に防音扉を設置してあり、二重に防音していて、道路騒音は全く聞こえない。目の前は、岡野町交差点で広い道路があり、道路騒音がうるさい。車を運転していた時にはよくとおった道だ。

このコンサートホールは、規模は小さく、不便も感じたが、観客と舞台が一体となれる可能性を感じた。

建築音響の交流の歴史 その18 ギターの由来

 先日ヴァイオリニストのジル・アパップのコンサートの切符について、ピアニストの高木さんに入金のメールをしたときに、返信にギターの話が書かれていて、さらに手塚健旨氏が書いたギターのことについての文章が添付されていた。これを見たら建築音響の交流の歴史の中に入れられるような気がして、書きはじめた。ギターを始めて日本に持ち込んだのはフランシスコ・ザビエルと書かれている。1549年のことである。以下は手塚氏の現代ギターに連載された天正遣欧少年使節に関する文章です。https://drive.google.com/file/d/1fhs4RaJGCrq5LRe3NswYgfZg6bSOuvfs/view?usp=sharing

 手塚氏の「「ギター前史」斜め読み――私たちはいかにしてギターを手にすることができたのか――」という文章は、1582年に天正遣欧少年使節が、ポルトガルのリスボンに派遣された。少年たちは事前にアレッサンドロ・ヴァリアーノ神父によってヴィオラ(ギターのこと)やクラヴォ（持ち運びができる簡易なオルガン）を習っていたようだ。

スペインの枢機卿から少年たちに贈られた楽器の目録には、クラヴォ、ハープ、リュート、ビオラ(ギター)と書かれている。これらはまさに秀吉の前で演奏された楽器ばかりで、少年使節が日本に持ち帰って、秀吉に曲を披露したのち、楽器を召し上げ有られてしまった。その結果、その後、ギター等はすたれてしまった。

全体の筋はその流れだが、その中に少年使節団が所有していた楽器にビオラという言葉があり、それが、ヴァイオリンのように弓で引くビオラという楽器ではなく、これがギターだということを様々な角度から証明した感じのものだ。ただスペインやポルトガルにはその当時のギターの歴史は途絶えてしまっていて、しかも日本では秀吉に召し上げられてしまったままそれも途絶えてしまった。どんな曲を演奏していたかも気になるところだが、当時の天正遣欧使節はキリスト教に関係しているので、それに関する内容だと想像できるが、それ以上は分からない。ギターで賛美歌とというのはよくわからないが、YOUTUBEで、ギターで賛美歌を弾いているのを聴くとしみじみした感じの曲になっている。ギターは明治維新の時、また第二次世界大戦の敗戦の後など、大きく影響を受けて今は、主流を占める楽器といってよい。いいか悪いかは別として、現在は三味線なんか足元にも及ばない。江戸時代だったら主流だったのに。

 日本の戦国時代に、国境をものともせず、フランシスコ・ザビエルがギターとクラヴォをもって、日本にキリスト教の布教に勤めることが出来たように、スウェーデンの環境活動家グレタ・トゥンベリさんが、その他の活動家と共に8月31日にバルセロナからガザに向けて、食料・薬などの支援物資を積んで船で出港し、ガザで人々に手渡そうとしている。ただ残念なことに、その時、荒天で、のちさらに9月1日、イタリア南部シチリア島から、ガザに向けて船で出航し、9月中旬にはガザに到着する予定だそうだ。その時には70席の船団になっているようだ。21世紀の現在、ザビエルや天正遣欧少年使節の時から比べれば、スペインからガザへは技術的には簡単なようで、ガザで食料品などを手渡すことは、イスラエルがガザの国境を封鎖していて、イスラエルの妨害があると思われるので、何とか無事にガザに到着して支援物資を渡してほしい。

※イスラエルは、ガザの完全制圧にむけ、ガザに地上軍を9/16に進行しはじめた。とんでもない行為だが、このような状況で、グレタさんたちは無事、ガザで食料や医薬品を手渡すことができるのだろうか。グレタさんたちは9/15にチュニジアを出航したようだ。

※国連総会が9月22日あり、パレスチナ国家が共存する二国家解決を目指す会議が開かれ、フランス・カナダ・イギリスがパレスチナを承認し、国連193か国中150か国超が承認した。アメリカは、パレスチナのアッバス議長が国連総会に参加することに反対し、ビザを下ろさなかった。日本の立場は、パレスチナを認めない。認めるという段階ではなく、いつ認めるかであると、現段階では承認をしなかったが、国連世界食糧計画（WFP）を通じて、パレスチナに5億円の無償援助を行うと発表した。

※朝日新聞9/26朝刊によれば、グレタさんたちの船は9/24、地中海上で、9/23深夜から24日未明にかけて、ドローンによる攻撃を受けたと発表。これに対しイタリアおよびスペインは、それぞれ護衛艦を派遣することを決めたと。多分世界情勢がガザに注目している。

※Yahooニュースによれば、グレタさんらの船団は、1日夜（10/1）、ガザへ向かう40隻以上の船のうち一部が拿捕され、船にイスラエル軍が乗り込んできたということです。

宮地録音スタジオの紹介

2021年の夏、倉敷にある宮地録音スタジオが竣工し、音響測定にいっていらい、音沙汰はなかったが、最近YOUTUBEで、宮地さんの録音スタジオでの演奏風景が見られるようになった。Ryo Miyachi-YouTube で宮地さんの演奏風景を見ると、倉敷にある録音スタジオで演奏されたものはYouTubeの中のSo far way / Ryo Miyachi - Takuma Asada、Minas / Ryo Miyachi - Takuma Asadaというものと、acustica-Ryo Miyachi  x  Yosuke Onuma x Kan、The Elements / Ryo Miyachi "acustica" feat. Yosuke Onuma & Kanの4つがあった（今のところ）。いずれも音質は大変クリアだ。いずれの曲もたんたんとしていて、物静かな感じで、何か自然を感じる響きのある曲だ。宮地録音スタジオの施主は宮地　遼　氏、建築設計は井上商環境設計株式会社、施工は株式会社　藤木工務店、宮地さんはベースギター演奏者である。

写真：So far way / Ryo Miyachi - Takuma Asada

写真：Minas / Ryo Miyachi - Takuma Asada（左：宮地さん）

写真：acustica-Ryo Miyachi  x  Yosuke Onuma x Kan　（左：宮地さん）

写真：The Elements / Ryo Miyachi "acustica" feat. Yosuke Onuma & Kan

宮地さんは、板橋のRebornWoodスタジオ（トライビートスタジオ）でJAZZを演奏しYouTubeにアップしていて、そのスタジオを気にいってくれて、わたしを紹介してくれたようだ。2020年のことだ。                                                    

この建物がほぼ竣工して、音響測定をしたのは、2021 年7 月6 日（火）である。設計では、スタジオは可動間仕切りで仕切られるのようになっていて、簡易的にスタジオAとスタジオB と名付けた。上記YouTubeではいずれもスタジオBの場所でとられている。スタジオAは主にピアノを対象としたゾーンで、多少反射性（吸音率0.24/500Hz）で、スタジオBは、主にドラムを対象としたゾーンで、多少吸音性（吸音率0.30/500Hz）である。可動間仕切りを用いない場合の残響時間および閉じた場合のそれぞれの残響時間を示す。またそれから吸音率を求め、グラフに示している。またコントロールルームは更に演奏場所として用いることもできる。吸音率の変化は、内装の不燃木材の板幅とスリットの間隔で変化させている。

残響時間の測定方法はISO3382-1に示されているインパルス積分法による残響時間測定による。残響時間の音源は、TSP信号（スイープパルス）をアンプで増幅し、無指向性12面体スピーカ（TOA　AN-SP1212）および箱型スピーカ（低音用30cmウーハーFOSTEX　FW305））から放射した。音響測定用ソフトはDSSF3を用いた。測定時の写真も併せて示した。

また2025年10月12日（日）に新百合丘トウエンティワンホールで、宮地さんのグループacoustica　がコンサートをやる予定だそうだ。

写真：スタジオB方向を見た。当時コロナが流行り始めていて、マスクをしている。

写真：スタジオA方向を見た。左側に可動間仕切りが見える。

写真：コントロールルーム　録音機材はまだ搬入されていない。

写真：残響時間測定システム

芥川 也寸志 生誕100年 誘う童心 目指した「みんなの音楽」

上記は、朝日新聞2025年6月30日の片山杜秀の蛙鳴梟聴（あめいきょうちょう）の記事の表題である。芥川也寸志は作曲家で生誕100年。誕生日は7月12日だそうだ。「シンフォニーから映画音楽まで。狭い音域での足繁き往来が芥川の真骨頂。NHKの大河ドラマ「赤穂浪士」のテーマ曲が真骨頂。そういう型の旋律は世界の子守歌や童歌に多い。狭い音域は原初的。幼児にも歌いやすい。」　NHKの大河ドラマ「赤穂浪士」は1964年に放映されたものだ。本文中に、「芥川が日本と国交の途絶えていたソ連を初訪問し、中国にも行ったのは、1954年の10月から翌年2月にかけて。」

 今でも大河ドラマ「赤穂浪士」のテーマ曲はよく覚えていて、口ずさむことができるほどだ。目指したのは「みんなの音楽」と言うことがよくわかる。それで思い出したのは、小泉文夫の日本の音楽のトラコルド理論である。オクターブに至らない音程で、あらゆる民謡の中で強固な単位をなすのがテトラコルドである。この二人の間に、このテトラコルドに関する共通点があるかもしれない。　

 芥川也寸志　生誕100年の私の文章は、以下のブログの「建築音響の交流の歴史その１６　童謡、さらにテトラコルドに関連して」　http://yab-onkyo.blogspot.com/2025/07/16.htmlの続きに当たるようだ。小泉文夫が、日本伝統音楽の研究1　<民謡研究の方法と音階の基本構造>　を音楽の友社で昭和33年に出版している。昭和33年は1958年で、小泉のこの年代は芥川の活動年代と似た位置にある。小泉文夫は、クラシック音楽に対して、世界の音楽と相対化させてみた。芥川也寸志は「「カチュウシャ」や「ともしび」を歌い、ショスタコーヴィッチの交響曲を聴く。違和感がない。ソ連の大衆音楽と芸術音楽には何か横串が通っている。中略、、、見本はどうか。浪曲とジャズ歌謡と山田耕筰。串が通らない。一個人の中でさえ趣味が分裂。おかしい。」「親ソ、親中、新アジア。新米国家たる日本の戦後史で、常に芥川は逆張りだった。芸術音楽と大衆音楽を高い理想のもとに織りあわせて「みんなの音楽」を結実させる試みも幻のまま。しかし童心を喚起してユートピアへの旅に誘う彼の作品は、今なお「みんなの音楽」を待望してやまない。」　しかしソ連だけではないかもしれない。ウイーンではオペラやヨハン・シュトラウスもまじえて、ひとびとが音楽を楽しんでいることがよくわかる。当時NHKの建築部にいて、NHKホールやスタジオを施主側で設計した浅野さんとさらにホラインと東京フォーラムの共同設計をしていた人たちとウイーンの森のレストランに言ったら、ワインが出てきたらヴァイオリン弾きも来て、多分ウイーンワルツを弾いてくれた。これらについてウイーンも一本串が通っていると感じられる。多分串が通っているのはソ連やウイーンだけではない。浅野さんは多分1933年ごろの生まれである。芥川より少し若い。芥川の先生だった伊福部昭の曲を私に紹介してくれたのも浅野さんだった。

 多分日本のクラシック音楽は、明治維新の時に、日本にもともとあった音楽を否定しながら鹿鳴館文化のように、輸入したこと、また第二次世界大戦によってわが国は敗戦になって、さらにこの傾向が強くなったことがあげられるように思う。戦後すぐ歌舞伎座で赤穂浪士の上演が禁じられたのは進駐軍が仕返しを恐れたからだと言われている。今ではたいへん人気の演目なのに、戦後すぐにはいろいろ制限があったに違いない。

 そういえば、服部幸雄が書いた「大いなる小屋」（1986年平凡社刊）は、江戸時代から続く芝居小屋に焦点を当てたものである。最初のページには、享和三年（1803）刊『戯場訓蒙図彙（しばいきんもうづ）』を紹介している。戯作者式亭三馬が著したもので、劇場を一つの国と見なし、「戯作者流の一趣向と承知のうえで、劇場と観客と演劇そのもの、その三つを一つに統一する観念上の総体として「戯場国」となづける一宇宙を設定、、、」　本の最後のページには「国なり東京都なりの公共施設として、江戸様式の「大いなる小屋」の復元することはできまいか。私は、そこで江戸歌舞伎が復活する日を夢見ているのである。」　この本は私にも大いに影響を与え、私の芝居小屋の音響調査のきっかけを作ってくれた。残念ながら新たな芝居小屋が復元するというような話はいまだなく、最近は川越で芝居小屋の鶴川座だったところが、私も参加していたが、住民の復原活動にもかかわらず、解体され、ホテルに立て直されてしまったこともある。服部幸雄は1932年生まれ、小泉文夫は1927年生まれ、芥川也寸志は1925年生まれで、ほぼ同時代の活動年代である。明治維新および第二次世界大戦の敗戦後の日本の音楽や演劇の動きに反発して正常化しようとする動きといえる。

 芥川也寸志の「みんなの音楽」の続きになるような気がするが、最近和楽器と洋楽器の合奏が時々テレビに出てくる。三味線とピアノなどや尺八とヴァイオリンや箏などである。曲はポップスやジャズなどである。実は私は脳梗塞の後遺症で、アルトサックスは、首の筋肉に力が無くなり吹けなくなったけれど、その代わりに2年前に尺八を買って練習をしている。曲は「赤とんぼ」、「あんたがったどこさ」などの日本的な曲ばかりでなく、坂本龍一作曲の「Merry Christmas Mr. Laurence 」や「Take the　“A” train」 などのジャズの曲も吹いている。このA　trainを吹いていると、あきらかにこのtrainは蒸気機関車だと言うことがわかる。尺八だと蒸気の息を感じられる。Imaginは機関銃が不連続に発射されている様子が見えてくる。しかし尺八では歯切れが悪く、乾いた音にならない。そういうのも感じられて楽しい。

 このように明らかに芥川也寸志の心意気を継いで新たな音楽の時代にはいりつつある。ただ芝居小屋についてはいまだ問題である。いまある国立劇場は、開館は1966年で、多目的劇場を追及して設計された劇場のために、歌舞伎劇場とは花道周辺が大きく違い、花道の後ろの壁は単なる灰色の壁である。そういうディーテールだけでなく、2023年10月に建て替えのため閉館したが、立て直すPFIの主体が建設費の件などで決まらず、しかも内容もきまらず、もうじき閉館して2年になってしまう。国が国立劇場に対して好意的になっていない気がする。服部幸雄が大いなる小屋を書いた1986年には、この国立劇場もできていて、もちろん歌舞伎座もできていた。この歌舞伎座は舞台間口が27ｍもあり、単に大人数の観客を収容するためとしか考えられない。国立劇場は役者やその卵たち、更に、舞台技術を担当する人たちにも早く再開が望まれるところであるが、それだけでなく服部さんが復活することを夢見ていた芝居小屋はいまだ実現できていない。劇場と演劇と観客を一体とする劇場の復活が望まれる。ちょっとだけ付け加えると、常設小屋ではないが、故中村勘三郎がたてたテントの平成中村座がある。そこには芝居小屋の雰囲気がある。服部さんの希望が少しかなえられたかもしれない。もう一つ、横浜ボートシアターの船劇場は現在一般の人がいけない場所にある。これを公共の場所に係留できたら、この船劇場も芝居小屋の範疇に入るような気がする。山下埠頭再開発の中に船劇場を組み入れられたら良いように思って、現在市民運動中である。

 

建築音響の交流の歴史 その17 篠笛の音

私のもっている横笛、中国の竹笛（G尺）、韓国の多分ソグム、（ただしプラスチック製　ソウルの公園で購入、韓国には尺八を横笛のようにした横に長いテグムという笛もある）、弘前ねぶた囃子の篠笛、この指穴のあけ方はソグムとほぼ同じ。

写真　上段　中国の竹笛、中段　韓国の横笛ソグム、下段　ねぶた囃子の篠笛

さらにお囃子の篠笛：私の所有している篠笛は、獅子田製のお囃子用の篠笛で、4本調子、5本調子のものである。お囃子は大太鼓、締太鼓2台と篠笛、さらにチャンチキで演奏し、篠笛はメロディー部を演奏する。なお私が元関係していたお囃子は荏田のお囃子である。今は脳梗塞を患ったために参加できていない。

写真：篠笛　上段：5本調子、下段：4本調子

 篠笛の音律と平均律

篠笛の指孔はほぼ等間隔であけられている。ピアノの鍵盤は等間隔であるが、たたかれる弦はドレミに合わせて作られている。したがって弦の長さは、指数関数的に、2^1/12ずつ変化している。すなわち対数尺でほぼ等間隔にあけられるので、篠笛とは多少音律が異なっている。平均律の周波数と、計測した篠笛の周波数について、下表で比較してみる。篠笛の音の周波数は、下記のようにFFTにより実際に笛を吹いて音を出して周波数分析を行ったものである。5本調子の篠笛と平均律*2とを比較すると、篠笛/平均律は1～1.1程度の違いであるが、ドについては1.046倍であるが、ミの音が1.117倍、ソの音が1.136倍と一番ずれている。平均律で慣れている人には、このミからソまでの音は少しづれていると感じるかもしれない。4本調子の篠笛の場合には、全体的に平均律より低い音になっていて、しかもミからシまでは平均律よりさらにより低い音になっている。

表　平均律と篠笛の周波数の比較

音名	C4（５）	D4（５）	E4（５）	F4（５）	G4（５）	A4（５）	B4（５）	C5（６）
音名	ド	レ	ミ	ファ	ソ	ラ	シ	ド
平均律	261.6	293.7	329.6	349.3	392	440	493.9	523.2
平均律*2	523.2	587.4	659.2	698.6	784	880	987.8	1046
篠笛5本調子	500	550	590	630	690	800	900	1000
平均律/5本調子	1.046	1.068	1.117	1.108	1.136	1.100	1.097	1.046
篠笛4本調子	450	490	520	580	620	690	800	900
平均律/4本調子	1.162	1.199	1.268	1.204	1.265	1.275	1.234	1.162

※篠笛の音階は、実際の音をFFT分析した値、上のドは下のドの2倍にしたものである。

 

図　篠笛　5本調子のドの音のFFT分析結果、500Hz位が基本周波数

　したがってお囃子用の篠笛（5本調子）もお囃子や獅子舞の時に使う因幡のほか、平均律とは大きく違っているわけではないので、五線譜を見て、「ねんねんころりよ」、「赤とんぼ」、「ふるさと」、「東京音頭」、「よさこい節」、「あんたがったどこさ」などの日本的な曲や、さらに坂本龍一作曲の

「Merry Chiristmas　Mr.Laurence　」、プッチーニのオペラジャンニ・スキッキの中の

「私のお父さん」なども吹けるようになってきた。